August Rosenlund Kvam

Jeg har lenge spart på ting jeg knytter til hendelser fra livet mitt. De har blitt samlet som små skatter som kan vekke minner til en tid som har vært. Som sider fra en dagbok eller innholdet i en tidskapsel. Jeg er fascinert av gjenstandenes møte med hverandre og hvordan man med et assosierende blikk på gjenstandenes verden kan trekke ligninger mellom dem.

Gjennom grafikk utforsker jeg måter å illustrere minner, affeksjonsverdi og identitet. Jeg lager stilleben av alt fra lightere og lommerusk, til Mercedes-stjerner jeg stjal som liten. Disse gjengis i klare farger og settes i fokus mot stiliserte flater som om de skulle vært avbildet med blits. Som en erindring hvor kun de viktigste detaljene kommer med.  

I trykkene avbilder jeg hverdagslige og personlige gjenstander. Jeg trekker linjer mellom disse og hendelser fra eget liv for å utforske gjenstanders tilknytning til identitet og hvordan de kan være spor på hva som preger oss til dem vi er.

Motivene kan leses som sammensetninger av attributter. Hver for seg kan gjenstandene knyttes til erfaringer og situasjoner, og samlet danne et narrativ fra et ungt menneskes liv.

 

August Rosenlund Kvam (f.1995) er en norsk grafiker bosatt i Oslo. Han har tidligere studert ved Stykejernet kunstskole (2015-2017) og fullførte i 2021 sin BFA i grafikk ved KHiO. Han har blitt tildelt en stipendplass hos NGV og fortsetter å jobbe med grafikk der fra sommeren 2021.

Benedicte Dahm (BA)

Blikket følger brosteinsbelagte bakker, ser opp der fortauene møter husene, gjennom gater, jernbanestasjoner, parker, svømmebasseng, oppover en slitt bygård, titter inn gjennom vinduene og til slutt ender ved hustakene og pipene.

I mitt avgangsprosjekt ønsket jeg å invitere inn til en vandring gjennom offentlig rom og gater i tre ulike medier: en bok, en tegnefilm og en installasjon med trykte tekstilskulpturer.

For meg er:

En bok som en fysisk, sakte film der man styrer tiden selv.
En tegnefilm som en hurtig og digital bok med bestemt tid.
En installasjon som scener i rommet der kroppens bevegelse avgjør tiden.

Hva er forskjellen på̊ møterom og mellomrom i byer, og hvordan beveger vi oss mellom de ulike rommene vi ser hver dag? Covid-19 har forandret våre private og offentlige rom, og mellomrommene har blitt større. I vandringen er det objektene og stedene jeg zoomer inn på̊ fra mine nærområder. Hovedscenen vil jeg gi til bakgrunnen.

 

Benedicte Dahm (f. 1997) Jeg er vokst opp i Oslo, og er nå ferdig med bacheloren min fra KHiO, der jeg og hadde et utvekslingsopphold på akademiet i Reykjavik. I mitt arbeid har jeg alltid et utgangspunkt i tegning og grafikk som jeg jobber med videre i bøker, installasjoner og tegnefilmer.

Jeg har alltid vært knyttet til rom: trygge og utrygge, offentlige og private, mellomrom og møterom. Mitt avgangsprosjekt har handlet om disse rommene og å skape en vandring mellom dem i en kart-bok, en film og en installasjon med tekstilskulpturer. De tre ulike delene har til felles at de er som er kart eller modeller av den samme fiktive reisen, i ulik målestokk og med ulikt fortellerperspektiv.

Dona Gashi (BA)

Jeg ble født i Kosovo, et land min familie flyktet fra i lys av Balkan-krigen på 90-tallet. Min oppvekst har vært preget av rotløshet og hyppige flyttinger. Familien oppholdt seg aldri lenge nok i et land til at kulturelle normer og regler kunne sette seg dypt nok. Først da vi permanent bosatte oss i Norge, fikk jeg kjenne på hva samfunnsmessige krav og forventninger var.

Frihet, tilhørighet, løsrivelse og hjem er gjennomgående temaer i mine kunstneriske arbeider. Kunst har alltid vært et fristed og et tilfluktsrom fra en vanskelig og uforutsigbar tilværelse. Samtidig har det jeg kan lage med mine egne hender alltid vært en erstatning for et fysisk rom under den tiden vi stadig var på flukt, på søken etter et hjem.

Mari Firing Aardal (BA)

Jeg arbeider primært med fargen svart, og undersøker hva som finnes i det svarte fraværet av farge: se inn i mørket, oppdag en gjemt, ukjent side. I observasjonen av lyset vil man oppdage de mange mulighetene svart bærer med seg. Jeg undersøker de små og store kontrastene som oppstår ved å kun bruke en farge, men mange teksturer og taktiliteter. Og utforsker hvordan ulike sammensetninger av svart forsterker eller svekker hverandre, og hvordan dybden endrer seg ut fra hvor varm eller kald svart som brukes. Spenningen oppstår i de ulike tekstur- og nivåforskjellene hvor lyset treffer, og endres når man beveger seg rundt og ser arbeidet fra forskjellige vinkler. Observasjon av lys er essensiell for å forme bildet, og hvordan resultatet blir.

Jeg skaper verker der overflaten på bildene endrer seg ut i fra hvor lyset treffer. Fra ett ståsted kan bildet se helt svart ut for deretter endres til brun, grå, og skinnende hvit. Det er ikke før seeren beveger seg at disse refleksjonene oppstår, og motiver fremtrer og utvikler seg på overflaten. Landskaper og flere detaljer dukker opp over lerretet. Teksturen endrer seg, noen steder kan man se tunge dype spor hvor jeg har gravd meg frem i materialet, mens andre steder er lettere, tynnere. Lagene gir en tredimensjonal dybde og mitt mål er å ta med seeren inn.

Nanna Amstrup (BA)

Drawing, printmaking, and publishing are the cornerstones of my artistic practice. In 2017, I established the publisher Marehalm to be able to self-publish editions of zines and books. Publishing can take art out of the white cube. To me, art is supposed to be a part of society. As near as a grocery store. To expose us to the possibility of expanding our minds.

My work often addresses the Anthropocene. The human epoch. A system that cannot carry the living for much longer. But at the same time, I’m trying to address a lust for thoughtful care. A reminder that we can, if we want to, be brutal, but we can also, if we want to, be gentle towards the planet that carries us.

I work with the division of those who can speak and those who are spoken of and our inability to recognize a living being from a resource. All organisms make themselves understood, they emerge and they are heard in a wide variety of ways; few are accessible to our senses and many we have yet to realize the existence and matter of.

There is, in the world, this constant buzz my ears aren’t able to notice. It’s a constant ongoing interchange between organisms­, energies and waves moving back and forth, between hormones and signals flickering through the air. If my ears could catch them, I would often be reminded that we as humans are not the only creatures capable of creating meaning through conversation.

I’ve been working interdisciplinary, mostly with drawing, publishing, and ceramics, when trying to propose a melting of the border between humans and the rest of the earth’s planetary population.

 

Nanna Gunhild Vang Amstrup born in Denmark, 1995. BFA in Medium- & Materialbased Art from Oslo National Academy of the Arts.

Sara Skorgan Teigen (BA)

“Man is least himself when he talks in his own person.
Give him a mask, and he will tell the truth.”
– Oscar Wilde

I am interested in the masks and roles we play and carry in daily life and theatre. Why do we need them? Why do we act the way we do? These questions are anchor points in my artistic practice. Our inner and outer experience does not always correspond, and it is this friction point that drives me.

I work interdisciplinary, with a base in photography and drawing. I use, stage and document myself through performance for the camera. The process of mixing this photo material with other mediums is at the center of my practice. I aim to understand, rather than to opine. Exploring new materials, I find that every medium contains unique abilities for me to understand something new.

I´ve always carried my mediums and materials with me, but recently I started wondering what my body, which I always carry, can communicate alone. I created a silent artistic alter ego to play through, based on the archetype The Fool.

 

Sara Skorgan Teigen (1984, Oslo, Norway) is an interdisciplinary artist, with a base in photography. She studied at Fatamorgana, The Danish School of Art Photography, Copenhagen (2008/09) and the ICP, International Center of Photography, New York, (2011/12) has a BA in Medium and Material based art at The National Academy of the Arts, Oslo (2018-2022). She has exhibited internationally at galleries, photo-festivals and photo-fairs in USA, Tokyo, China, Mexico, England, France, Italy, Greece, Spain, Switzerland, Netherlands, Belgium, Sweden, Denmark and Norway.

Sigvei Ringvold (BA)

Behind the looking glass, in a storage room in an empty office space somewhere in Porsgrunn, torn entangled prints and matrices hover in the dark, giving off a fluorescent glow. The installation “Illegalskap” is part of my bachelor project “Rester av verden”

Sadly, I was unable to take part in the final exhibition at KHiO, so instead, I occupied these spaces, filling them with prints, installations and UV-light.

The world is coming apart, as are so many of us. My work reflects on the experience of entropy and the dissolvement of the structures we inhabit and embody.

Collecting pieces, tearing, building, printing and morphing them, all kinds of traces of my lived reality come together and fall apart. The world I move in is becoming denser with information, while the ability to process on a deeper level is becoming increasingly difficult. Like the force-feeding of ducks for the sake of fattening their livers, it seems we have been formed into unconscious reproducing consumers. I am now printing remains of the world. I use my disillusionment as the dissolution of a corrupt “normal”.

The value of the experiential emotional involvement, the ephemeral moment, the real-life meeting where our senses are rooted into space-time, cannot be overly stressed at this point in time. We need to connect. To our hearts, to nature, to each other.

It is devastating to witness and experience the effects that isolation, fear and grief are having. But the destructions we are enmeshed in also give us a possibility for transformation. We also encompass the light. I shed a light with beautiful debris.

 

Sigvei Ringvold uses printmaking as a method for exploring the idea of interconnectedness, using chance as a part of the creative process and destruction as a factor.

She works in large formats, printing in layers, mixing different printmaking techniques. She also collaborates cross-disciplinary with musicians and performers, making sculptural installations and scenography.

She has exhibited in shows such as «Grafica Creativa 2019 – Hereafter» at the International Print Triennial in Jyväskylä, Finland, and «Print Matters – Contemporary Constituencies of Print» at Grafiska Sällskapet and Ålgården in Sweden.

As artist-curator she set up the group exhibition “Compose Decompose Pause” at Kunsthall Grenland in 2020. She is currently enrolled in the MA program in Print at KHiO, and has newly become a member of Norske Grafikere.

Veronica Öberg (BA)

Under min bachelor har jag arbetat med minnen som utgångspunkt för mina projekt. Genom litografi, fotokollage och artist’s books har jag försökt översätta mina minnen till något fysiskt. För mig handlar konstruktionen av ett motiv om att sätta samman delar av något. Det kan vara en linje, en gest eller en färg, och tillsammans bildar de en form. Processen att sätta samman delarna påminner mig om hur minnen är konstruerade. Mina minnen projiceras inte som en logiskt ordnad filmsekvens utan kommer gradvis i fragmenterade delar till mig. Minnena består av olika komponenter vilket i sin tur mina motiv också gör.

 

Veronika Öberg (f.1995, Stockholmm) är en svensk konstnär och grafiker. Hon har läst vid Konstskolan Basis och Grafikskolan i Stockholm. Under våren 2021 erhöll hon sin kandidatexamen i medium och materialbaserad konst från Konsthögskolan i Oslo.

Veronika utgår från minnen som huvudtematik i sina verk. Hon utforskar medium som litografi, fotokollage och artist’s books. Hennes arbeten spänner över olika uttryck men med den gemensamma nämnaren att försöka visualisera de ogripbara. Bilderna kännetecknas av de mer fragmentariska kompositionerna där balansen mellan färg och form är i fokus.

 

English version

During my bachelor’s degree, I have worked with memories as a starting point for my projects. Through lithography, photo collage and artist’s books, I have tried to translate my memories into something physical. For me, the construction of a motif is about putting together parts of something. It can be a line, a gesture or a color, and together they form a shape. The process of assembling the parts reminds me of how memories are constructed. My memories are not projected as a logically ordered film sequence but gradually come to me in fragmented parts. The memories consist of different components, which in turn my motives also do.

 

Veronika Öberg (b.1995, Stockholm) is a Swedish artist and printmaker. She has studied at Konstskolan Basis and Grafikskolan in Stockholm. In the spring of 2021, she received her bachelor’s degree in medium and material based art from Oslo National Academy of the Arts.

Veronika uses memories as the main theme in her works. She explores mediums such as lithography, photo collage and artist’s books. Her work spans over different expressions but with the common denominator: trying to visualize the elusive. The images are characterized by the more fragmentary compositions where the balance between color and shape is in focus.

Andreas Lian (BA)

I min praksis arbeider jeg stort sett med grafikk og skulptur, hvor det legges vekt på det fysiske aspektet. Å bruke kroppen og motorikken i det jeg skaper er en indre nødvendighet. I arbeidene mine søker jeg etter en kraft eller noe som gjør tresnittene eller skulpturen levende på et vis, hvor sinnsstemning og følelsene mine er med og former verket. Skapergleden er også en stor motivasjon og drivkraft.

I tresnittene mine jobber jeg ofte ut i fra egne fotografier eller bilder jeg finner inspirerende. Prosessen videre innebærer å male direkte på treplaten for å deretter skjære ut motivet. Den transformasjonen synes jeg er spennende. Tematikken i bildene mine har et sosialt aspekt, som ofte handler om det medmenneskelige, hverdagen, samliv og arbeidslivet.

Enrique Guadarrama Solis (MA)

Enrique Guadarrama Solis is a Mexican visual artist based in Oslo. His practice oscillates between randomness and structure, exploring colliding concepts such as tradition/technology, analogue/digital and magic/logic. With focus on process and intuition he challenges the boundaries of traditional printmaking through systems, objects, installation and performance.

Enrique studied Visual Arts at Facultad de Artes y Diseño, Universidad Nacional Autónoma de México (FAD UNAM). His work has been selected in biennials and competitions in Mexico and abroad: International Biennial Print Exhibit: 2020 R.O.C. (Taiwan, R.O.C., 2020), Guanlan International Print Biennial 2019 (Guanlan, China, 2019) and 8th International Triennial of Graphic Arts Sofia 2019 (Sofia, Bulgaria) among others. He was awarded the First Prize in the XXXVIII Encuentro Nacional de Arte Joven (Aguascalientes, Mexico, 2018). He obtained the 2020-2021 and the 2015-2016 FONCA Young Creator Grant (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Mexico). He has exhibited in multiple collective shows in Mexico and abroad, as well as individual shows in Mexico and Norway. Since 2017 he is Definitive Lecturer “A” at FAD UNAM through Open Competitive Examination for the course Printmaking Workshop I and II. He holds an MFA in Medium and Material Based Art at Kunsthøgskolen i Oslo (Oslo National Academy of the Arts) and recently obtained the FKSD Stipend for his Master project.

Alejandra Aguilar Caballero (MA)

Alejandra Aguilar Caballero is a Mexican visual artist currently based in Oslo, Norway. In her practice she moves playfully between drawing, traditional printmaking, installation, artist publications and graphic narrative/comics. Through her work she creates unique storytelling approaches that explore memory, identity, nature, and the way changes in personal contexts generate unexpected encounters.

Alejandra holds a Bachelor degree with Honors in Visual Arts from Facultad de Artes y Diseño of the Universidad Nacional Autónoma de México (2010-2014). She recently graduated from the MFA in Medium and Material Based Art at Oslo National Academy of the Arts. She obtained the Scholarship for International Postgraduate Studies FONCA-CONACYT 2019. She has participated in multiple collective exhibitions in Mexico, Norway, Spain, Czech Republic, Poland and Bulgaria and has presented her work in solo exhibitions in Mexico and Norway. She has also been selected in national and international competitions and biennials.