Om utstillerne

Aleksandra Janik (Påtroppende professor i grafikk,) er grafiker, forsker og kurator. Hennes kunstneriske praksis undersøker det utvidede feltet av grafikk, foto og intermedia, med sikte på å redefinere og presentere deres nye klassifisering. Hun ble uteksaminert Summa Cum Laude fra Eugeniusz Geppert Academy of Fine Arts and Design i Wroclaw, Polen i 1996. Hun var DAAD-stipendinnehaver ved HBK Braunschweig, Tyskland i 1996–1997. Hun har en doktorgrad (2004) og et professorat i kunst (2021). Hun var også NAWA Bekker Program Fellow ved Tokyo University of the Arts i 2021–2022.

Janiks grunnleggende kunstneriske verktøy og inspirasjonskilde er relasjoner og gjensidig avhengighet, menneskelige forbindelser til et sted og deres dynamiske forvandlinger, daglige praksiser og hendelser, behov og ønsker. I sine kunstverk utforsker hun også begrepene tid, minne, hukommelse og påminnelse. Hun skaper verdener som er en sammensmelting av hennes minner og forestillinger, og dermed også feilrepresentasjoner og forvrengninger av opplevde øyeblikk. Dette er kunstneriske (re)konstruksjoner av steder, møter med mennesker, følelser og flyktige fornemmelser.

Serien «To every thing there is a season / Wszystko ma swój czas» er en metaforisk referanse til månens Limbus, der alt som ble forkastet på jorden ble lagret: tapt tid, brutte løfter, uoppfylte forespørsler, fåfengte tårer, bortkastede talenter, planer som ikke har blitt gjennomført, drømmer som ikke har gått i oppfyllelse.

Bror Mikkelborg (Høgskolelektor og verksmester i grafikk, avtroppende) har sin utdanning fra Århus kunstakademi, Jydske kunstakademi og SHKS (Kunst og håndverkskolen) Rader og lito. Han har i en årrekke undervist i litografi på Kunsthøgskolen i Oslo.

Verket «Litografisk landskap» er en litografisk improvisasjon over vestlandsnaturen. Det er trykket i håndpresse og senere håndkolorert.

Brynhild Seim (Verksmester printshop og publiseringsverksted) er utdannet billedkunstner med Master i fotografi fra University of Westminster i London 2006. Hun arbeider som billedkunstner og frilansfotograf i tillegg til stillingen som verksmester i Print & Publisering på Kunsthøgskolen i Oslo. Hun har jobbet med landskap over flere år og har tidligere stilt ut innenfor dette tema på Litteraturhuset i Oslo 2013 i forbindelse med UiOs Sustainability Summit: A World without Ecocide: A Utopia of Our Time? Og på galleri RAM i 2016, hvor verket handlet om den døde skogen i Nord-Norge.

Brynhild Seim jobber med skog og endringer i landskap som følge av varmere i klima her i Norden. Verket «Seteråsen», som stilles ut på Norske Grafikere handler om etterveksten i skogbunnen to år etter en skogbrann og nytt liv som springer av asken. Skogen tilhører Seims familie og brannen fant sted i Seteråsen på Rømskog tørkesommeren 2018.

Erik Solheim (Førsteamanuensis grafisk kunst) I sine arbeider søker Solheim de mulighetene grafikkmediet har for å utrykke og vi­dereføre personlige erfaringer. For ham inneholder det fikserte og rene visuelle bildet et tidløst og universelt språklig rom, som kan fremstå som en åpen kilde for interak­tiv gjenkjennelse, refleksjon, menneskelige betroelser og erkjennelser. Han er tiltruk­ket av grafikkmediets utforskende muligheter, så vel som prosessen og fremstillingen som både krever disiplin og et konsentrert fokus.

Litografiet er den grafiske teknikken og det medium han fortrinnsvis arbeider med og har valgt som sin fremstillingsmetode. Ved å benytte nyanser av farger og forløpninger forsøker han å skape et dynamisk rom. Dette omsettes til trykkfarger og transporteres direkte fra kalkstenen til papirets overflate, enkelte ganger også den andre veien. Ved å legge til og fjerne farger kan det oppstå usedvanlige over­trykkskvaliteter. Solheim selv sier at teknikkens presisjonsnivå og kontrollen over nyanser gir ham stor tilfredstillelse, og metoden representer for ham en taktil dimensjon som ingen andre medier kan tilby.

«Yesterdays» er en pågående serie litografier, som så langt består 48 unike varianter. Trykkenes utgangspunkt er tre opptegninger direkte på stenen. De ulike trykkene er blitt til med inntil 8 trykkinger.

Jan Pettersson (avtroppende professor i grafikk) er utdannet fra Grafikskolan FORUM i Malmö, Atelier 17 i Paris og New York University, New York. Pettersson har deltatt på betydelige internasjonale utstillinger, i tillegg til at flere av arbeidene hans er kjøpt inn til internasjonale samlinger. Pettersson har undervist på flere universiteter, drevet kunstnerisk forskningsarbeid og arrangert seminarer. I 2015 var han initiativtaker og koordinator for seminaret «Printmaking in the Expanded Field» og i denne sammenheng var han også redaktør for publikasjonen med samme navn. Publikasjonen kan sees i denne utstillingen.

Pettersson viser en firefargers fotogravyr fra serien «Masters of the Classics» i tillegg til boken «Prinmaking in the Expanded Field». Serien «Masters of the Classics» tar utgangspunkt i en tendens fra slutten av 1800-tallet, da grafikkforleggere i Europa ofte publiserte versjoner av kjente kunstverk i ulike grafiske medier. Prosjektet er utført av Edition Stefan von Böös, en fiktiv forlegger og samler. Pettersson selv står som utfører av prosjektet. «Masters of the Classics» tematiserer dermed en samtid der kunstneren tar på seg rollen som en handlende aktør. I tillegg kan bildene forstås som en form for simulacra og som en kommentar til tradisjonen for opplag og det generelle publiseringsmarkedet innenfor grafikken. Prosjektet består av 14 utvalgte malerier, som ikke tidligere har vært gjenstand for publisering.

Jan Skomakerstuen (Verksmester silketrykk) avsluttet sin utdannelse på Statens Kunstakademi i Oslo i 1997. Han jobber med ulike uttrykk som installasjonskunst, grafikk –særlig silketrykk, landart, lydkunst, fotografi, lysdesign og scenografi. Skomakerstuen har undervist i silketrykk siden 2004.

Karen Disen (Høgskolelektor i tegning) er smykkekunstner som tegner og lager grafikk. På Kunsthøgskolen i Oslo underviser hun i tegning og komposisjon.

Selv sier hun: horisonter er noe som stadig opptar meg. Ved å være en visuell sansende person, har det å rette oppmerksomhet på ulike deler av omgivelsene generelt, vekselsvis med registrering og utprøving av visuelle virkemidler på verkstedet, gitt meg mye. Å undersøke hvilke strukturer som leder til ukjente imaginasjoner er en annen side av mitt arbeide. Det å la billedflaten og billedrommet inneholde flere aspekt fra inntrykkene samtidig, er hva jeg forsøker å fremstille i trykkene mine.

Maria Erikson (Høgskolelektor i grafikk) bor og arbeider i Tallinn og Oslo. Erikson har en master i grafikk fra Kunstakademiet i Helsinki. Hun har også en sertifisering som Master Printer fra Tamarind Institute (USA) hvor hun fullførte et toårig studium med fokus på samarbeidstrykk, med spesialisering i litografi. Erikson har blitt tildelt Eduard Wiiralt-stipendet av Cultural Endowment of Estonia og hedret med Ann-Margret Lindell-stipendet for trykking i Sverige. I 2023 mottok hun annerkjennelsen «Årets grafiker» fra den Estiske grafikkforeningen. Hennes siste utstillinger inkluderer, Soft Touch on the Deckle i Gallery Draakon (EE), Gallery Ratamo (FI) og Museum of Lithography (SWE); Notes from Borderspace i ARS Project Room, Estland (2022); Bolaget Vardagsbilder: GRAFIK, Galleri Sander, Sverige (2021).

Trykkene Erikson viser i denne utstillingen er en del av verket «Soft Touch on the Deckle».

Overflaten til den litografiske kalksteinen er glatt og porøs. På samme måte som hud, registrerer den berøringer som stratifiserer over tid. Litografisk flytende tusj – håndlaget av kunstneren – brukes til å lage bilder på steinen. Tørkede lag av tusjlaveringer på overflaten av steinen resulterer i nettlignende former, som kan sees på som et abstrakt landskap. I trykkeprosessen blir både materie og mening komprimert på papiret. På denne måten blir papiret et kommunikasjonssted, hvor kunstnerens berøring, materialet og steinens geologiske lag flettes sammen. Gjennom disse samhandlingene oppstår nye former for sameksistens og ikke-hierarkiske kommunikasjonsmåter.

Oliver Hambsh (Doktorgradsstipendiat i grafikk) hans kreative praksis er i stor grad basert på grafikk og eksisterer i skjæringspunktet mellom grafikkteori og minnestudier. Ved å bruke både tradisjonelle og eksperimentelle teknikker, har han som mål å skape verk som svarer på hans interesse for hukommelse og identitet. Det visuelle innholdet er ofte sentrert rundt familiefoto, formidlet gjennom systemer og materialer som forstyrrer og abstraherer bildet. Grafikkens visuelle språk og syntaks spiller en stor rolle og blir ofte brukt på en overdreven måte for å illustrere det trykte bildets natur. Kunstneren er særlig interessert i hvordan grafikkens tekniske aspekt, og arbeidet knyttet til trykk, kan presenteres på en måte som strekker det utover bildet.

Scott O’Rourke (Verksmester dyptrykk, høytrykk og litografi) har en master i maleri fra Royal College of Art i London og en bachelor i grafikk fra University of Wolverhampton.

I utstillingen viser O’Rourke tre nye verk som stammer fra en eksperimentell periode i hans kunstneriske praksis, hvor han utforsker det fysiske ved etsning og farger. De tre etseplatene trykkes uten trykkpresse, ved hjelp av pigmentert gips som trekker blekket ut av trykkplaten. Bildene kommer fra en tilnærming til tegning som er opptatt av foranderlighet av former, landskap, historiske bilder, arkitektur og biologi.

Shwan Dler Qaradaki (Doktorgradsstipendiat i tegning, akvarell og video) er født i 1977 i Sulaimani, Irakisk Kurdistan. Han er utdannet ved Sulaimani Institute of Fine Art og kom som politisk flyktning til Norge i desember 1999. Han fullførte en MA i Kunstfag ved Kunsthøyskolen i Oslo i 2009. Dette er hans siste år som doktorgradsstipendiat ved Kunsthøgskolen i Oslo ved avdeling for grafikk og tegning.

I arbeidene sine utforsker Dler Qaradaki temaet identiteter gjennom tegning, maleri, foto, installasjon og video. I denne utstillingen presenterer han fire verk fra serien «You talking to me? OK, I’m going to paint your things». Bildene fokuserer på kompleksiteten som ligger i menneskets tilknytning til røttene sine og viser hvordan eiendeler kan virke som symboler for ens kulturelle bakgrunn. I prosjektet har Dler Qaradaki besøkt og tegnet hjemmet til tolv personer, med ulike bakgrunner fra forskjellige deler av verden. Ved å avbilde leiligheten deres, har han laget en slags indirekte portretter av menneskene som bor der. Med realistisk strek opphøyer kunstneren hjemmets hverdagslige interiør og berører samtidig et universelt menneskelig tema, nemlig lengselen etter tilhørighet og verdi.

Tiril Schrøder (Professor) er utdannet fra kunstakademiene i Hamburg, Oslo og København der hun først studerte maleri og tegning og deretter tok et hovedfag i kunstteori og formidling. Både her i Norge og utenlands har Schrøder gjort en rekke separat- og gruppeutstillinger, samt utsmykningsarbeider.  Hun er spesielt opptatt av tegning – tegningen i rommet og tegning satt sammen til lengre fortellinger. Vesentlig for Schrøder er motsetningene mellom det autentiske og det ikke-autentiske, og hva som skjer når noe gir seg ut for å være noe det ikke er.

Vibeke Luther (Verksmester publisering, avgått) er utdannet i England fra Surrey Institute of Art and Design og London Guildhall University. Hun har grunnlagt og driver forlaget og trykkeriet Crow Press.

Crow Press – etablerte i 2017 – er en paraply for kunstnerledede publiseringsprosjekter, samarbeid og en stor interesse for å bevare, modernisere og jobbe innenfor områdene bokkunst, bokbinderi, boktrykk og høytrykk. Crow Press har jobbet med diktere og kunstnere siden 2017, og har vist kunstnerbøker på Kristiansand Kunsthall, Høstutstillingen, Booked Helsinki, Norske Grafikere og ulike nasjonale og internasjonale bokkunstmesser. Verkstedet nærer og utforsker bokformatet som et unikt og håndlaget verk, hvor alt er trykket og innbundet for hånd.

Grafikkopplag og kunstnerbøker laget av Crow Press er kjøpt inn og gjort tilgjengelig for publikum av Nasjonalmuseet og Nasjonalbiblioteket.

«Seed Vault» er det første engelske verket utgitt av Crow Press. Prosjektet er en refleksjon over Frøhvelv-initiativet og hvordan vi bevarer frø i håp om at en fremtidig jord fortsatt gir mulighet for vekst. Forståelsen av et jordisk paradis parallelt med et eterisk paradis, materialiseres gjennom fargegraderinger og sider kuttet som et tverrsnitt. Steinar Opstads dikt forvandles til en materialbasert gjenstand, eller bok, gjennom tresnitt trykket med et spesifikt fargegraderingssystem og en utforming som lar oss se alle sidene samtidig.

Victoria Browne (Førsteamanuensis i grafisk kunst og publisering) Hennes kunstneriske praksis er inspirert av de folkelige motivene som skildrer vårt kulturlandskap.

Hun jobber med grafikk i skjæringspunktet mellom taus kunnskap, maskinverktøy og digital teknologi. Dette har ført til en utforskning av den materielle empatien i produksjonen og arven i håndverket, noe som har resultert i produksjonen av et flerfarget tresnitt.

Bakgrunnen ble opprinnelig installert i Hvervenbukta paviljong, et historisk sted ved Oslofjorden, og var en midlertidig installasjon. Denne gjen-iscenesettelsen på Norske Grafikere fungerer som en dokumentasjon og avslører de særegne arkitektoniske trekkene, som et bakteppe for denne gruppeutstillingen.